摄影者在剧场内用照相机将舞台表演最美的瞬间记录在感光片上，是一个艺术创作的过程；镜头焦距对准哪一点，按动快门定在哪一刻，都体现出舞台摄影者的艺术追求。一张优秀的舞台摄影作品，应包含：构图美、造型美、影调美和动感美等要素。

     舞台摄影艺术的美感，首先是通过照片的画面构图来体现的。偌大一个舞台，拍全景、拍局部还是拍特写，是摄影者需要考虑的问题，一幅构图美的舞台摄影作品应该是主题突出、层次分明、画面均衡。

  造型美本属舞台表演艺术最基本的特征，也是舞台摄影艺术中必须强调的美感形式。造型是指演员在舞台上的表演姿态和神态；姿态最动人之处，神态最感人之时，摄影者应不失时机按动快门，要做到这一点，舞台摄影者一要了解剧情，二要熟悉演员，两者不可缺一。

  当前舞台美术设计水平日新月异，舞台灯光形式繁多，这对舞台摄影艺术中影调处理的多样化提供了良好条件。舞美装置和灯光调度是随剧情和剧中人物情感的变化而不断变化的，时而呈暖色调，时而呈冷色调，时而现低调，时而现高调，因此把握好舞台摄影的影调，对烘托主题，突出人物性格起着重要作用。

  动感美在舞台摄影艺术中是最具魅力，也是最难把握的表现形式。在舞蹈、杂技、戏曲、武打等表演中，演员的形体动作可能幅度很大，很激烈，甚至令人目不暇接，然而摄影者一旦捕捉到这其中的美妙瞬间，必然是一张动感效果极强的佳作。

  掌握正确曝光、跟踪对焦、色彩还原等技术问题，是拍好舞台摄影作品的先决条件。

  舞台表演的主题人物（即拍摄对象）的面部受光强度是正确曝光的基准点。对基准点的曝光值测定方法有两种，其一运用长焦距镜头直接对准主体面部，其二是使用装有5度或10度测光元件的测光表对准主体的面部。

  受光线亮度的限制，舞台摄影一般都采用大光圈拍摄。

  对于成像素质好的镜头，可备50mm、85mm、180mm、200mm、300mm等定焦镜头，也可备28－85mm、70－210mm等变焦镜头。

  在舞台摄影中切忌使用闪光灯，这样既破坏了舞台灯光效果，又影响了场内观众欣赏和演员的表演情绪。

拍摄诀窍

1、由于舞台摄影环境条件的特殊性，娴熟地运用摄影技术对于摄影者来说显得极为重要，这样会使拍摄忙中不乱并富有成效。

2、由于舞台表演的变化较大，必须学会当机立断、见机行事的应变能力，敏捷的思维和创新的构思是不断创作更新更美的作品的先决条件。

3、摄影者须了解舞台艺术，熟知各种舞台表演的规律、节奏、风格和特点。

4、舞台摄影艺术没有固定的模式，摄影者须不断实践，大胆去探索，逐步形成自己的创作风格。
舞台摄影不是单纯记录舞台表演节目，而是运用摄影艺术去创作出富有艺术表现力和感染力的舞台摄影作品。

特殊技法

1、B门曝光法——操作时将光圈调整在足够小（一般在f11以上），手控快门线，这样拍出来的照片，看上去相对静止的人物好像有点动势，而运动中的人物则沿运动方向形成虚像，给人以“活”起来的感觉。

2、同底多次曝光法——拍摄前要有构思，操作时要注意突出主题、明暗交错、虚实互补。在画面中心先按正确曝光拍下演员的典型舞姿，然后用曝光不足半档至1档拍下演员的其他姿态，每一次拍摄都将人物放在画面陪衬的位置，曝光次数完全按照拍摄者的创作意图而定。

3、加用特殊效果滤色镜——特殊效果的滤色镜种类繁多，舞台摄影时一定要因景物而宜，因情节而宜，切不可盲目乱加，否则会适得其反。

4、多底叠放法——可以依摄影者的要求，任意将拍摄场次不同、内容不同、形式不同的多个画面叠合在一起。

5、组合照片——拍摄时可以根据情节变化多拍摄几张，印成照片后加以挑选。照片组合不能随心所欲，要围绕一个主题，力求画面形式上“交错有致”、情节上“抑扬顿挫”。

   因机器不同带来的性能和操作的差异，不是几句话能说明白的。我们建议：

1.感光准确,切记不要过曝！有条件可使用对面部的点测光。

2.对焦准确,主体不要拍糊。快门最好不低于1/60秒!有条件使用

  连拍和跟踪对焦。按个人能力选择手持和三角架。

3.用大光圈,你的相机有多大光圈(最小数字)就用多大。拍全景应用小光圈,以增加景深。

4.用自动白平衡,有影调考虑的可用白平衡漂移和色温“K”值。

5.练习构图和光影,影调,虚实对比,动静对比,认真拍好原片。

6.用p挡或自动挡,练习控制能力要求者,可用手动挡(定好光圈和快门速度),ISO以不出明显噪点为准(因机器不同,设置不一样)

下面图片是很多摄影家的作品，让我们共同分享。

A.动感

B.光影